Torino
Dal 22 ottobre 2026 al 7 febbraio 2027
In contemporanea alla mostra di Luca Campigotto, Luca Campigotto. Wandering Europe, Gallerie d’Italia approfondisce l’osservazione sull’identità europea con la mostra di Anastasia Samoylova, Harbor. Per la commissione ricevuta da Intesa Sanpaolo, Anastasia si è concentrata sull’indagine visiva di sette porti europei, inserendo nell’azione documentativa un intento anche interpretativo e uno sguardo attento al dettaglio. I porti, luoghi di attraversamenti e anche di memoria, sono diventati per Samoylova trampolino di lancio per una riflessione sull’Europa contemporanea e sulle sue trasformazioni. Abbiamo intervistato la fotografa per farci raccontare il suo progetto.
Come nasce e come si è evoluto sul campo il progetto che ha dato seguito alla mostra Anastasia Samoylova. Harbor?
Nell’ultimo decennio ho fotografato ambienti costieri e il modo in cui costruiamo e immaginiamo le nostre vite attorno a essi. Ho voluto concentrare questa indagine sull’Europa, dove i porti mettono in diretto contatto la storia degli scambi marittimi con l’industria contemporanea. I porti, inoltre, svelano le infrastrutture che stanno alla base della vita quotidiana.
Le fotografie di Marsiglia realizzate da Germaine Krull hanno rappresentato un importante punto di partenza per il mio lavoro. Quando Gallerie d’Italia mi ha invitato a proporre un progetto, ho voluto riflettere su cosa fosse cambiato in questi contesti dai tempi della Krull.
Ho scelto Atene, Genova, Istanbul, Lisbona, Marsiglia, Rotterdam e Venezia per le diverse dinamiche che in esse intercorrono tra industria, turismo e vita urbana. Ho realizzato le fotografie nel corso di una serie di viaggi tra il 2025 e il 2026. Il lavoro è iniziato con una fase di ricerca e si è sviluppato attraverso l’osservazione diretta sul campo. L’ambito dell’indagine si è esteso ben oltre i terminal portuali, includendo le strade circostanti, gli spazi pubblici e le diverse rappresentazioni del fronte marittimo. Questi margini hanno rivelato come il porto continui a plasmare la città, anche laddove le sue attività rimangono celate alla vista.
In che modo, dal punto di vista stilistico, hai deciso di strutturare il progetto?
Il mio background in architettura e progettazione ambientale mi rende attenta al modo in cui lo spazio viene organizzato e vissuto. In un porto, un’enorme nave può nascondere la città alla vista, mentre un piccolo spostamento può far risaltare un lavoratore o un oggetto comune. Ho voluto preservare questo rapporto instabile tra le scale dimensionali. Riflessi, barriere e immagini all’interno del paesaggio permettono a spazi differenti di incontrarsi sulla superficie di una fotografia. Si tratta di stratificazioni che ho riscontrato direttamente sul posto.
Attraverso la scelta del punto di vista e dell’inquadratura, esploro quanta complessità possa racchiudere una situazione osservata. Il lavoro di Krull mi ha spinto a riflettere sulle potenzialità fotografiche delle strutture industriali, ma sono rimasta anche affascinata dal richiamo esercitato da tali forme. Una composizione ben riuscita può far apparire un macchinario svincolato dalla sua funzione; io, invece, ho voluto che le tracce del lavoro e dell’uso rimanessero visibili. Nella sequenza, ho messo in dialogo vedute industriali con dettagli più minuti, lasciando che si creassero connessioni tra una città e l’altra.
Ci sono molte citazioni anche all’immaginario di Luigi Ghirri. Come la sua ricerca sul guardare si inserisce in uno stile maggiormente documentario?
Riconosco un’affinità con Ghirri. Il suo lavoro prende atto del fatto che entriamo in contatto con i luoghi attraverso le immagini molto prima di incontrarli fisicamente. Tali rappresentazioni plasmano l’ambiente e le nostre aspettative; si tratta, di per sé, di un soggetto documentario. In Poster, Venice, la città appare tramite una riproduzione, ma le pieghe ne interrompono l’illusione di profondità, richiamando l’attenzione sulla superficie che la sostiene.
In Sea View through Chainlink Fence, l’apparente apertura del mare è interrotta da un confine materiale: la rete danneggiata orienta il nostro sguardo verso le condizioni che rendono possibile quella specifica visione. Queste fotografie documentano l’incontro con un luogo e con le modalità in cui esso ci viene presentato. L’indagine di Ghirri sull’atto del guardare mi aiuta a riflettere su come dettagli apparentemente banali contribuiscano alla costruzione di un paesaggio. Più esaminiamo da vicino la rappresentazione, più riusciamo a comprendere il luogo che l’ha generata.
La maggior parte delle immagini sono a colori, ma hai usato anche il bianco e nero in alcuni casi. Perché?
In questi contesti, il colore veicola una grande quantità di informazioni. Esso appartiene tanto ai rivestimenti industriali e alle immagini commerciali quanto all’acqua e alla luce. È in grado di collegare elementi tra loro estranei o di conferire credibilità a una superficie artificiale. Ricorro al bianco e nero quando si delinea una relazione di altro tipo, più avvincente. Nel panorama di Venezia, il cielo stampato e l’intonaco logorato che vi sta sopra entrano a far parte del medesimo universo tonale. La parete sembra prolungare le nuvole, rendendo incerto il confine tra la veduta rappresentata e il suo supporto materiale.
La figura umana compare di rado nelle tue immagini. Quando compare, che valore ha?
La presenza umana permea questi paesaggi, anche quando non appare nessuno nell’inquadratura. Le strutture e le superfici che li compongono testimoniano attività lavorative, interventi di manutenzione e forme di utilizzo. Quando una persona entra in scena, la sua presenza può modificare la nostra percezione dell’intero contesto. In Port Worker [la foto che apre questo articolo, N.d.R.], una figura umana si staglia contro l’immagine riprodotta di un’enorme nave portacontainer, ponendo lo spettacolo del mondo marittimo in diretto contatto con la vita quotidiana. In Header, il balzo di un giocatore verso il pallone introduce un ritmo differente, che si affianca a quello delle gru.
Negli ultimi anni, alcune porzioni delle aree portuali un tempo destinate esclusivamente al lavoro sono state aperte al pubblico, trasformandosi progressivamente in una sorta di ‘terzo spazio’ – distinto dalla casa e dal luogo di lavoro – in cui le persone possono ritrovarsi informalmente, trattenersi o giocare. Mi interessa esplorare come questo ruolo sociale emergente coesista con l’attività industriale che ha dato forma a questi luoghi. È proprio questa gamma di relazioni a interessarmi. Un porto racchiude al suo interno attività lavorative specializzate, ma al contempo coesiste con la vita urbana ordinaria. I gesti umani rendono tangibile la scala di questi spazi e rivelano le modalità in cui vengono abitati.
Il tuo sguardo sui porti è stato connotato anche dall’identità delle singole città portuali o pensi che lo stile del tuo fotografare abbia uniformato l’intero progetto?
Sia le differenze che le continuità hanno importanza. La scala industriale di Rotterdam richiedeva un tipo di attenzione diverso rispetto a Venezia, dove la familiarità dell’immagine della città costituisce, di per sé, una sfida. A Marsiglia, mi sono concentrata sulla vicinanza tra le infrastrutture marittime e la vita pubblica quotidiana. Ho cercato di lasciare che fossero tali condizioni a dare forma alle fotografie. Allo stesso tempo, la ripetizione di gru, container e navi da crociera appartiene al mondo che stavo fotografando. I porti sono collegati a sistemi le cui attrezzature e il cui linguaggio visivo valicano i confini nazionali.
Una parte di questa somiglianza è già intrinseca al paesaggio stesso. Il mio modo di osservare crea, inevitabilmente, un’ulteriore continuità. Desidero che tale continuità riveli delle relazioni, preservando al contempo la specificità di ogni luogo. Mantengo il riferimento alle località in cui sono state scattate le fotografie, perché quelle differenze sono importanti. Nel loro insieme, le immagini pongono un interrogativo: come fa una città a conservare la propria identità pur essendo parte di sistemi che si somigliano sempre di più?
Come fotografare i porti implica parlare della nostra attualità in Europa?
I porti rendono fisicamente visibile la dipendenza dell’Europa dal resto del mondo. Se da un lato un profilo urbano storico può suggerire continuità e permanenza, le navi che vi si affiancano rivelano una città in costante trasformazione, plasmata da scambi commerciali e investimenti. Osservare il contesto dal lungomare mette in discussione l’idea dell’Europa come un insieme di identità culturali separate. Il rapporto tra lavoro e turismo è particolarmente rivelatore. Le attività industriali possono allontanarsi dalle aree frequentate dai visitatori, mentre quelli che un tempo erano fronti portuali dediti al lavoro si trasformano in luoghi di svago e consumo.
L’immagine pubblica accattivante di un porto può dunque celare il lavoro e le infrastrutture da cui esso dipende. Emergono inevitabilmente interrogativi sull’accesso: chi può fruire del lungomare? Gli spostamenti delle persone che vi lavorano sono favoriti o, al contrario, limitati? Le questioni ambientali permeano ogni aspetto di questa dinamica. La portata del trasporto marittimo e del turismo crocieristico rende evidenti i nostri modelli di consumo, così come la vulnerabilità delle coste che li ospitano. Dopo aver trascorso anni a documentare fotograficamente tali pressioni in Florida, ho voluto comprendere come esse si manifestino all’interno dei contesti storici e dei paesaggi urbani, profondamente diversi, dell’Europa.
Anastasia Samoylova. Harbor
- Gallerie d’Italia, piazza San Carlo, 156 – Torino
- dal 22 ottobre 2026 al 7 febbraio 2027
- mar-dom 9.30-19
- intero 12 euro, ridotto 10 euro
- gallerieditalia.com
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